Un poster per Haiti

Un gesto semplice, un poster sintetico, bicolore ma di chiaro significato. Così l'agenzia di comunicazione Kidstudio di Firenze ha voluto contribuire al progetto di Leif Steiner e Josh Higgins a favore delle vittime del terremoto dello scorso 12 gennaio. L'iniziativa"The Haiti Poster Project" ha raccolto i manifesti donati da artisti, grafici e designer provenienti da tutto il mondo per raccogliere fondi a favore di Medici Senza Frontiere. L'obiettivo è di raggiungere almeno 1.000.000 di dollari. Luca Parenti e Marco Innocenti di Kidstudio, con la collaborazione diSimone Bianchi della Tipografia Il Bandino, che ha gestito la parte esecutiva, sono presenti con il loro progetto sul sito www.thehaitiposterproject.com. I poster saranno acquistabili online dal 5 aprile 2010.

2009 • 3 anniversary

I Kids hanno seguito in questo anno di intenso lavoro tre importanti avvenimenti pieni di storia di passione e di tradizione.

Il primo lavoro di grafica, in questo contesto, è stato quello relativo alla realizzazione del libro commemorativo per i 150 anni del quotidiano La Nazione fondato dal barone Bettino Ricosoli nel luglio del 1959. Un prezioso volume che ripercorre la storia del mondo attraverso le parole di Maurizio Naldini, le pagine de La Nazione coerentemente contestualizzate nel progetto editoriale di Marco Innocenti e le tavole illustrate di Luca Parenti. Venduto in edicola, il volume è adesso alla seconda ristampa.

Il secondo progetto è legato invece all'apertura della Strada delle Dolomiti, inaugurata il 13 settembre 1909. Cento anni di curve e di fatiche celebrate in una tre giorni di festeggiamenti da Bolzano a Cortina con una carovana di macchine d'epoca tra le più prestigiose mai prodotte. Un progetto di comunicazione (logo e identity) incentrato su una ricerca di stile che si rifà ai manifesti futuristi e quelli anni Trenta caratterizzati da una forte stilizzazione a campiture piatte e da caratteri tipografici fortemente impattanti.

E adesso è il momento dei 100 anni del Football Club Bologna.

Un allegato di 100 pagine al Resto del Carlino dal sapore tutto vintage.

A fine mese in edicola.

Una grande antologia della storia contemporanea

E’ questo il libro La Nazione 150 anni curato da Maurizio Naldini per celebrare la grande avventura del giornale. Un’opera nella quale un grande peso ha anche il progetto di impaginazione di Marco Innocenti e Luca Parenti di Kidstudio.

Nasce da una ricerca sui caratteri e le forme che hanno costruito la gabbia del quotidiano nel corso del tempo: un lavoro svolto per far 'sentire' al lettore le pagine come in effetti erano nei periodi di riferimento. Una matrice regolare - colonne di testo intervallate la linee sottili nei primi periodi, poi divenuti spazi più ampi col passare degli anni e con l’evolversi della tecnica tipografica - che si ritrova nella composizione dei testi del libro, attorno ai quali prendono posizione gli articoli e le immagini.

Uno stile che cambia leggermente nella parte centrale del volume, incentrata sugli anni dal 1900 al 1950, quando i caratteri delle titolazioni de La Nazione diventavano più graziati e movimentati, in opposizione a quelli rigidi e grassetti del primo periodo. I colori del libro sono ripresi direttamente dalla carta invecchiata delle più vecchie edizioni per la prima e la seconda parte, mentre si rivedono il bianco e l’azzurro che connotano il quotidiano oggi nella sezione finale, insieme col ritorno ai moderni caratteri bastoni.

Ogni articolo della selezione fatta da Maurizio Naldini lo si può ritrovare nella sua integrità originale (o solo talvolta punteggiato di brevi omissis - necessari, ancora, per motivi di spazio) e lo si può rileggere e rivedere come fu impaginato a suo tempo. Un viaggio che si può fare notando la tecnica di impaginazione - sempre mutevole - che ha accompagnato La Nazione per 150 anni; o ammirando le foto e le illustrazioni che furono pubblicate; o, ancora, passando una mano sulla stesura di pagine intere, testimoni dei cambiamenti delle epoche e del costruirsi della storia.

Twists in Moses

Moses sarebbe Mosè, quello biblico, cui un'entità suprema ha donato le leggi su tavole di pietra.

Mosè è stato raffigurato in molti modi, il più celebre sicuramente quello scultoreo, cornuto, da mausoleo, di Michelangelo.

Michelangelo è uno scultore. Non "era", "è". Perché un uomo vive finché hanno eco le sue imprese. E quelle del Buonarroti echeggiano ancora.

E, visti i tratti pesanti del suo Mosè, i passi di quest'ultimo devono echeggiare veramente tanto.

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Michelangelo Buonarroti è, fuor da ogni paura di essere contraddetti, il più grande scultore di ogni tempo. La sua opera spazia dalle modelle siliconate delle Cappelle Medicee raffiguranti stagioni ed ore solari, a schiavi nell'intento di liberarsi dalla pietra. Alcuni di questi ultimi, i Prigioni, rubano la scena in una sala, al Louvre, dove il peggiore degli artisti è Antonio Canova.

Il Mosè cattura due aneddoti di quelli che compongono la leggenda. Uno è adattissimo a far riflettere sul nostro lavoro di creativi.

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1) Twists in Moses
Si narra che Michelangelo avesse pensato, dapprima, il Mosè in una posizione diversa da quella poi arrivata ai giorni nostri. La posizione originale, più classica e statica, era frontale.
Arrivato a due giorni dalla consegna, il nostro si è dato un'occhiata intorno ed ha ammirato il suo lavoro. Beh, non andava.
Ora, altri avrebbero soprasseduto, così avanti con la lavorazione (il Mosè era praticamente finito): la pietra era pagata dal Vaticano, ma un blocco di quel genere, oltre che costoso era difficle da reperire. Ma è così che si passa alla storia: non dandosi per vinti.
Allora cosa ti inventa, il Buonarroti? Usando il suo potere mutante di "vedere la forma dentro la pietra" si accorge che, forse, c'è posto per una piccola modifica. Si tratta di modellare, piegare la pietra. Ed in poco tempo fa fare al Mosè una torsione di diversi gradi sul busto, arrivando addirittura a spostare una gamba verso il centro della scultura.

Roba da matti.

Non ha poi, in realtà, deformato la pietra (non si può... vero?) ma è riuscito comunque a trovare materiale ancora da scolpire a sufficienza per "spostare" la statua.

Io avrei lasciato perdere molto prima... ma non sono Michelangelo.

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2) The Nose

Ora, uno come lui è bene lasciarlo in pace quando lavora.
Ma non accade sempre. Anzi, la sua vita è costellata di gente che è andata a martellargli i cosiddetti con richieste assurde e improbabili modifiche.
La più nota (forse) è quella postuma che ha ricevuto dal Mutandaio sul Giudizio Universale.
La più divertente (e didattica, direi!) è questa:

Il Papa, commissionario di Michelangelo, entra a dare un'occhiata al suo Mosé, quello che farà parte del suo incredibile mausoleo. Si, un mausoleo, come quello che un tempo si facevano fare i Faraoni Egizi o i grandi Re Babilonesi. Un papa. Se suona male, pensando al compianto GP-II, è più in accordo con Giulio Secondo, credetemi.

Insomma, il Sig. Giulio Secondo entra, si congratula con Michelangelo all'opera e poi gli fa un'apprezzamento.
"Bello,- dice,- ma quel naso non è un po' grosso?". La storia dell'umanità e la Storia dell'Arte hanno una lieve fibrillazione. Michelangelo attende che il Papa prosegua nei suoi vaneggiamenti. "Penso sarebbe meglio farlo più piccolo, giusto un colpo..." La s.d.u. e la S.d.A. trattengono il fiato...

Michelangelo non fa una piega, si nasconde nella mano sinistra un pezzo di marmo e, fingendo di colpire il naso del Mosé, lo sgretola con lo scalpello, commentando poi: "Eh, si, pare anche a me... ecco, così dovrebbe andare."
Giulio Secondo dà un'altra occhiata alla statua ed esclama, dopo attenta osservazione: "Ecco, perfetto! Vedi? Ti serviva il mio consiglio...! Buon lavoro Ser Buonarroti, a domani!" E si eclissa.

Il trucchetto di Michelangelo salva s.d.u. e S.d.A. ed il Mosè resta dovè.

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Cosa ci raccontano questi due aneddoti? Alcune cosette:

1) un artista (o un creativo, in generale) può decidere in qualsiasi momento che il suo lavoro, tanto sudato, non va. Non sempre è necessario ripartire daccapo: spesso è sufficiente "raddrizzare il marmo". Ma il modo non conta, quello che conta è che lo si faccia. Meglio un lavoro perfetto il giorno dopo che una opera sbagliata oggi.

2) anche il più grande genio è soggetto a critiche. E molto spesso, queste critiche arrivano da chi non sa nemmeno di cosa si sta parlando, un "Papa" qualsiasi che non sa reggere un pennello in mano (e per questo chiede a te, creativo, di fare il lavoro) ma che appena vede il lavoro svolto sente in sé tutta l'arte della storia e la capacità di migliorarla. E' capitato a tutti: il parrucchiere che ti spiega il marketing, il ristoratore che ti insegna i colori, la postina che posiziona le masse sul foglio.

Capita meno spesso a noi di poter dire al parrucchiere che, no, per quel taglio non devi usare quelle forbici, al ristoratore che, no, la pappa al pomodoro non si fa con l'aglio, alla postina che, no, le raccomandate non le devi consegnare. Vorremmo essere tutti avvocati o medici (mai sentito qualcuno dire al primario dell'ospedale "ah, si, Diazepam... certo, ma io penso sia meglio che prenda del Bostanifscal o del Voramidinz. Ecco, perfetto! Vedi? Ti serviva il mio consiglio...!), ma non lo siamo e dobbiamo fare buon viso a cattivo gioco.

Il cattivo gioco (e cattivo gusto, direi) di fare e pensare stile "i soldi sono miei e tu fai come voglio".
Atteggiamento da Giulio Secondo, certo, ma quelli erano altri tempi.

O no?


Best regards,
JK.


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PS: O no?

Perché, voi cosa ne pensate? Credete che se Julius the Second avesse avuto il tempo che abbiamo avuto noi, quei 600 anni per ammirare, leggere e raccontare le opere del Buonarroti, sapesse in pratica chi è Michelangelo (allora era solo un artista qualsiasi, immaginiamo...), si riterrebbe da dargli il suo "consiglio"? Si renderebbe conto di non disporre nemmeno del diritto ad un dialogo con colui che ci ha dato le più alte opere di sempre?

No, io penso che gli direbbe ugualmente di accorciare quel naso. E' la fiaba dello scorpione e della rana.

La nostra fortuna è che Michelangelo conosceva i nostri stessi trucchi.

Un po' di gesso, la finta di due colpi... et voilà, il naso non c'è più. :)

Dodge & Burn

Non è una canzone dei Metallica.
E' un modo per ottenere dei risultati accettabili da foto pessime. Non si può applicare a tutte le foto, ma in molti casi funziona. Comunque, basta provare.

In pratica si tratta di fare quelle operazioni che si fanno manualmente quando si sviluppa una foto in camera oscura colo che, lavorando in digitale, si usa Photoshop inceve di passare le mani davanti alla luce.



Iniziamo col prendere la foto che vogliamo migliorare (A). Ne ho scelta una che potrebbe andare anche bene così, ma è perfetta per spiegare quello che andiamo a fare.
Assicuriamoci che non ci siano aree bruciate (ovvero totalmente bianche): il problema in digitale è l'esatto opposto che in analogico o in pellicola. Se una parte dell'immagine (vale anche per i filmati, quindi state attenti con le vostre telecamerine nel viaggio di nozze!) è bianca significa che è "bruciata": là, in quel punto, non ci sono informazioni. Viceversa, in pellicola, le aree nere sono veramente nere e non hanno dati. Ovvero, ne hanno troppi e questi, sommati insieme, danno un colore piatto.
La parte che sembra nera, nel digitale, in realtà contiene molte più informazioni di quello che pensiamo. Peccato soltanto che spesso queste siano "rumore" e che sia poi difficile tirarne fuori qualcosa. Ma andiamo un passo alla volta.

Con Photoshop, aperta l'immagine, creiamo un nuovo livello e usiamo come metodo di composizione "Colore Brucia" (o "Color Burn" per chi ha la copia inglese). Prendiamo un colore grigio neutro al 40% (grigio per non virare la foto, 40% a caso, poi faremo le modifiche del caso successivamente: è comunque un valore che funziona nel 90% dei casi). Adesso disegnate una sfumatura dal grigio scelto al trasparente cercando di coprire la parte che vi interessa scurire. Nel mio esempio (B) ho intensificato il contrasto del cielo con il sole. Un effetto interessante. Lavorate sull'opacità del livello e sulle dimensioni della sfumatura per posizionare l'ombra dove volete. Io mi sono limitato alla parte alta del cielo, la foto era già sufficientemente scura...

Una nota: state attenti alla quantità di "burn" che date. L'effetto non fa altro che scurire tutti i toni al di sopra del 40% (o il valore di grigio che avete scelto) di luminosità dell'immagine sottostante. Questo aumenta fortemente il contrasto dell'immagine e rischiate di perdere molti dettagli e sfumature.

La seconda operazione che facciamo è quella di schiarire le parti della foto che risultano troppo scure e prive di dettagli.
Nuovo livello, ancora, ma col metodo di fusione su "Colore Scherma" ("Color Dodge" per i pirati che hanno scaricato PS con Limewire...). Solito grigio di prima e solita sfumatura, questa volta a coprire la parte scura dell'immagine (C).
Come per incanto, una miriade di dettagli saltano fuori. Come dicevo, infatti, le aree che danno l'impressione di essere nere, in digitale in realtà contengono un sacco di dati.

Anche in questo caso lavoriamo sull'opacità o sulla luminosità del nuovo livello per ottenere l'effetto cercato. Nel mio esempio ho un po' esagerato, ma serviva per far vedere chiaramente l'effetto. Considerate che le aree schermate faranno brillare tutti i dettagli presenti, di qualunque colore siano. Anche le più recenti fotocamere digitali tendono ad appiccicare sulle parti scure un'infinità di disturbo, sotto forma di puntini colorati che, scuri, non si vedono ma che schiariti fanno un po' carnevale. Nel caso usate la maschera di opacita del livello sfumatura e, con questa selezionata, desaturate la parte di immagine che avete schiarito.

Bòn (come dice un mio parente ligure: starebbe per "basta").

Il gioco è fatto. Adesso divertitevi a provare. Io mi ci diverto un sacco e tiro fuori cose entusiasmanti anche da foto ridicole. Come ho detto, non funziona sempre. Solo vari tentativi vi diranno se una foto è da tenere o da buttare.


Besos, vado via che il mio amico Bubu è in arrivo e devo andare a cena (finalmente!).

Alla prossima.


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PS: un telefilm che fa un'uso impressionate di filtri di questo tipo, anche se credo si tratti di filtri veri, in vetro, e non di post-produzione, è CSI:Miami. Fateci caso: tutti i cieli sono rossi o gialli o verdi. Voi li avete mai visti così? Provate a usare il livello "Brucia" con un colore.... Horatio vi saluta! :P

La macchia magenta (1) - Viver come bruti

Il nostro ultimo incarico è riassunto, in -molto- breve, qui sotto:


Si è trattato di dare un 'volto' ad un teatro (cosa che, per noi, sta diventando una specialità della casa, come il fritto alla fiorentina di certi ristoranti) che riapre dopo alcuni anni di inattività, il Dante di Campi Bisenzio (FI).

In breve, le nozioni che avavamo: a) teatro antico, ma completamente nuovo: del vecchio stabile rimane solo la facciata, il resto è stato completamente ridisegnato secondo lo stile e le tecnologie di oggi; b) teatro polifunzionale: non solo Opera, ma musica, cabaret, mostre e tutto quello che una struttura del genere deve garantire di questi tempi; c) necessità di 'rompere' nei confronti dell'audience e di risultare ben visibili e conoscibili con un singolo colpo d'occhio.

Il primo passo è stato quello di trovare un logo a tutta la faccenda.
Questa è la parte più delicata: se si sbaglia il logo/marchio di ciò cui dobbiamo dare un'immagine, è la fine. Niente di ciò che verrà dopo sarà sufficiente a correggere l'errore. Oltretutto, un marchio deve essere una cosa quanto più longeva e vivere di vita propria: necessario è che questo non debba essere modificato entro pochi anni, che non stanchi e che sia facilmente applicabile ad ogni design. Questo non significa solo "accurata scelta dei colori/accurata scelta dei caratteri" per far sì che risulti leggibile sia su poster 6x3m che sui flani 5x5cm dei quotidiani: significa soprattutto renderlo abbastanza agile ed adattabile al maggior ventaglio di grafiche possibile. La semplicità è una regola infrangibile. Immaginiamo un logo estremamente graziato e rococò. Adesso applichiamolo ad un design moderno, a delle foto, a contesti moto varì. Bah!

Il logo ha quindi avuto una gestazione piuttosto difficoltosa. Attraverso lo studio effettuato separatamente da tre dei nostri designer, siamo arrivati ad una quindicina di idee, da cui avremmo poi estrapolato il concetto finale.
Parlo di concetto, perché nessuno dei design proposti era da considerarsi definitivo o completo. E' stato solo grazie all'amalgama di diverse idee che siamo arrivati al prodotto finale.

Il logo finisce per essere un testo dal carattere semplice, senza grazie (il font è un Futura in due pesi diversi, regular e extrabold), applicabile così ad ogni fondo. Sopra di esso, in posizione abbastanza canonica direi, tre linee ondulate.

Siamo arrivati a questa soluzione attraverso alcuni semplici passaggi, ma che hanno richiesto molto tempo per essere messi in pratica.

1) scritta semplice (e questo è stato il compito mio, più adatto ad eliminare le ridondanze degli altri, più abili a 'colorare' di dettagli ogni cosa);
2) marchio rappresentativo del teatro (e qui abbiamo riempito una ventina di fogli solo con schizzi e stilizzazioni: dal più semplice faccione di Dante Alighieri -terribile, ma in linea coi desideri del committente :) - a linee cinetiche e sbalzi geometrici per ricordare l'architettura del luogo;
3) colori che appartenessero al teatro.

Il punto 3) è stato il più facile. E' bastato un solo viaggio in teatro per trovare il colore giusto: poltrone e sipario sono di un velluto (elemento cangiante, simpaticamente d'accordo con la natura poliedrica del teatro stesso) color verde-blu. In pratica una tinta Pantone che abbiamo trovato tra i metallici. Una bella fortuna.
l punto 1) è passato attraverso vari stadi e varie prove. Abbiamo valutato dapprima come integrare le due parole "Teatro" e "Dante", poiché il logo doveva comprenderle entrambe. Lo so che sarebbe come chiamare un salumiere "negozio del salumiere", ma per certe situazioni l'indicativo è d'obbligo. Siamo passati anche attraverso la commistione di corsivo e stampatello (TeatroDANTE), ma alla fine siamo caduti sulla soluzione più ovvia.

Per quanto riguarda il marchio, trovare un disegno al contempo semplice e coerente non è stato facile. Se, da una parte, il profilo di Dante poteva essere funzionale (lo stesso volto è riprodotto sulla facciata del teatro e trovava il committente decisamente favorevole al suo impiego) per noi non era accettabile: troppo banale, scontato e trito. In italia ci saranno diecimila strutture che prendono il nome da un personaggio storico e che hanno le fattezze del medesimo riproposte sopra il logotipo. E' come quando un'agenzia di organizzazione congressuale ci richede la corporate per un congresso che si tiene a Firenze: 10 volte su 10 ci vuole il David di Michelangelo o la Cupola del Brunelleschi, che si tratti di convention sui linfonodi o della mostra dei nuovi plasma 42" Hitachi.

Alla fine, come al solito, l'idea è stata corale: all'interno del foyer del Dante, ed in molti altri dettagli, si ripetono delle curve. Dei pannelli di legno si incorciano l'un l'altro in modo asincrono formando una specie di onda, come di oceano ribollente. Qualcuno si è ricordato che, ad inizio di -un qualche- secolo, il primo logo del teatro Dante di Campi Bisenzio (FI) raffigurava una nave intenta ad attraversare le colonne d'Ercole (quale simbolo di ricerca della conoscenza, ripresa dalla Commedia di Dante, guarda caso, nel canto su Ulisse).
Ed ecco, infine, che si forma l'idea delle tre 'onde', che trovano doppia simbologia nel parallelo tra il passato (il primo logo) e il presente (l'interior design del teatro).

Fatto questo, il lavoro è appena iniziato. Ma per vedere come siamo andati avanti (e cosa significa il titolo di questo post!) si dovrà aspettare la prossima puntata. Io, adesso, ho da impaginare la brochure del Dante!


Saluti.


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Fatti non foste a viver come bruti
Ma per seguir virtute e canoscenza
Dante Alighieri, Inferno.

Commodore64 vs. ZX-Spectrum

Chi ha vinto, alla fine?

Bah, difficile da dire. Per un mero calcolo sulla memoria, direi il C64 (divenuto oggetto di culto: dello Spectrum, oggi, chi si ricorda?). Per vendite, pure. Il C64 è stato e resta il computer più venduto della storia, prodotti che abbiano saputo fare di più ricordiamo solo la Playstation e l'iPod.

Ma ci interessa?



Perché il punto, per me, è un'altro.
Ovvero che qui, ogni generazione informatica, crea una nuova diatriba. C'è stato l'ST contro l'Amiga. Poi il PC contro l'Amiga. Poi il Mac contro il PC. Poi Windows contro MacOS. Poi l'iPod contro quelli della Creative. Poi Nokia contro Eriksson. Poi Hulk contro la Cosa, Daitarn contro Mazinga e per finire Canon contro Nikon.
Che sono io? Canonista o Nikonista? Ma che ne so!

Innanzitutto sono troppo scarsìno, al momento, per capire quale tecnologia è migliore. Sono sempre dell'opinione che, al giorno d'oggi, le tecnologie dovrebbero su per giù compararsi tutte ma, ripeto, non ho abbastanza conoscenza della materia per giudicare.
In secondo luogo, la macchina è solo il mezzo tramite il quale un artista produce dei lavori. Non può e non deve essere la Canon a dettare cosa verrà fuori da uno scatto.

Quindi, tanto per cambiare, un bello schiaffo agli opinionisti ed ai tecnici: lunga vita al creativo!


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Per la cronaca: la foto in questo post è stata scattata con una Konica da 4 Mpx di quelle che stanno nel palmo di una mano e poi ritoccata appena appena con il solito Photoshop. Alzo le braccia, non prendo neanche un respiro, scatto... et voilà, il mio quadro. Più o meno il tempo che impiego con la EOS 400D a togliere il tappo dall'obiettivo :)

Back in action::

Gennaio, 23-duemilasette.

Si riparte.

Tra le altre meraviglie che il buon anno porta, c'è sicuramente la mia conversione da amatore a semi-pro della fotografia.
La mia macchina, una Canon EOS 400D, con ben tre obiettivi (zoom Sigma 70-200, fisso 24mm Canon ed un versatilissimo grandangolo con tanto di Macro 17-70 Sigma), sta iniziando a divertirmi. Mi porta dal tradizionale scatto alla cieca ad uno studio forzato di inquadrature, tempi di esposizione, apertura ed effetti.

Per ora mi sono accontentato degli scatti, come venivano, e di ritoccarli con Photoshop (sono abbastanza bravino, lo faccio di mestiere :P ). Adesso ho deciso di cominciare a lavorare sullo scatto direttamente. Sto valutando un filtro IR, ma per ora mi accontento dei due filtri Cokin sfumatura neutra con cui, appena arriveranno (metà ordinati su eBay, metà su Pixmania-pro.com) inizierò a usare un po' di creatività. Che poi è il mio stile, più che immortalare la vita così com'è.

Affascinato dalle foto, inizio questo nuovo cammino.

Chissà che non finisca come il primo.